Come lanciare un progetto musicale italiano all’estero senza cantare in inglese?

Il fenomeno Måneskin ha scosso le fondamenta dell’industria musicale, dimostrando che è possibile dominare le classifiche globali cantando in italiano. Questa vittoria ha acceso una speranza per migliaia di artisti e manager in Italia, ma ha anche sollevato una domanda cruciale: è stato un caso isolato o è un modello replicabile? Per anni, il mantra per l’esportazione musicale è stato inequivocabile: per sfondare all’estero, devi cantare in inglese. Questa convinzione ha spinto innumerevoli talenti a snaturare la propria arte, inseguendo un’omologazione che spesso si è rivelata un vicolo cieco.

L’approccio tradizionale suggerisce di concentrarsi sui mercati anglofoni, come Regno Unito e Stati Uniti, considerati l’Olimpo del successo. Si investono budget in promozione generica, si inviano press kit standardizzati e si spera che una playlist di Spotify faccia il miracolo. Ma se la vera chiave non fosse l’assimilazione, ma una strategia opposta e più astuta? Se il segreto fosse smettere di cercare di essere qualcun altro e iniziare a usare la propria unicità culturale come un’arma strategica?

Questo articolo demolisce i vecchi paradigmi. Non parleremo di come adattarsi al mercato globale, ma di come piegarlo alla propria identità. Analizzeremo perché certi mercati sono intrinsecamente più ricettivi, come sfruttare le piattaforme digitali per operazioni di “cultural hacking” mirate e come strutturare un progetto a prova di finanziamento. È il momento di passare da un approccio basato sulla speranza a uno fondato su una strategia chirurgica, dove ogni scelta è un passo calcolato verso la conquista di un pubblico internazionale che non chiede una copia, ma desidera un originale.

In questa guida strategica, analizzeremo passo dopo passo gli elementi chiave per costruire un percorso internazionale di successo, rimanendo fedeli alla propria lingua e cultura.

Perché il Sud America è più ricettivo per la musica italiana rispetto al Regno Unito?

La prima regola di una strategia di export chirurgica è smettere di guardare ossessivamente ai mercati anglofoni. Il Regno Unito, in particolare, è un mercato saturo, estremamente competitivo e con una barriera culturale e linguistica difficile da scalfire per un prodotto non in inglese. Al contrario, il Sud America rappresenta un’opportunità enorme, basata su una profonda e storica affinità culturale. Non si tratta solo di una questione di radici comuni dovute all’emigrazione italiana, ma di una sensibilità melodica condivisa e di un immaginario collettivo che vede l’Italia come un simbolo di passione e romanticismo. Artisti come Eros Ramazzotti e Laura Pausini sono diventati icone proprio sfruttando questo legame.

I dati confermano questa tesi in modo schiacciante. Per un artista come Eros Ramazzotti, ad esempio, le visualizzazioni su YouTube non solo competono con quelle italiane, ma a volte le superano: secondo i dati di YouTube Insights, si registrano 12.6 milioni di visualizzazioni a Città del Messico contro i 12.2 milioni di Milano. Questo dimostra l’esistenza di un mercato maturo e desideroso di contenuti in lingua italiana. Il fenomeno è amplificato dall’impatto delle telenovelas, che per decenni hanno utilizzato canzoni italiane come colonne sonore, creando un legame emotivo indelebile. Il caso di Laura Pausini è emblematico: brani come “En cambio no” e “Amores Extraños” hanno accumulato decine di milioni di stream, consolidando la sua posizione di superstar grazie a questa sinergia mediatica.

Questo contrasto visivo tra l’accoglienza calorosa del Sud America e la chiusura del mercato britannico non è solo una metafora, ma una realtà strategica. Ignorare mercati come Messico, Argentina, Brasile o Cile significa rinunciare a un pubblico vasto che non solo capisce l’italiano, ma lo associa a un valore emotivo positivo. La scelta del mercato non deve basarsi su dove si trova il “centro” dell’industria, ma su dove il vostro progetto ha le maggiori probabilità di risuonare. Il Sud America non è un mercato “secondario”, ma un obiettivo primario per chiunque voglia esportare musica italiana autentica.

Come usare TikTok per diventare virali in Germania stando in Italia?

Una volta identificato un mercato strategico non convenzionale come la Germania — un paese con un forte interesse per la cultura italiana ma con dinamiche proprie — l’approccio non può essere generico. Bisogna agire con tattiche di cultural hacking: inserirsi nelle conversazioni e nei trend locali in modo che il contenuto sembri nativo e non un’imposizione esterna. TikTok è lo strumento perfetto per questa operazione, grazie alla sua capacità di far esplodere suoni in nicchie specifiche. L’obiettivo non è “promuovere una canzone”, ma “creare un momento culturale” che usi la canzone come colonna sonora.

La viralità non è casuale, ma è il risultato di una strategia precisa. Per esempio, l’incredibile successo globale del remix di “Pedro” di Raffaella Carrà, che è al secondo posto nella classifica globale TikTok con oltre 50 milioni di contenuti creati, dimostra come un brano italiano, anche datato, possa diventare un fenomeno mondiale se agganciato al trend giusto. Per penetrare il mercato tedesco, un artista italiano dovrebbe analizzare hashtag come #DeutschlandTikTok e #GermanTrends per capire l’umorismo e gli stili visivi locali. Invece di postare semplicemente un’esibizione, potrebbe creare un video che gioca sugli stereotipi della “Dolce Vita” visti da un tedesco, oppure collaborare con un creator italiano che vive in Germania e ha un pubblico misto.

L’approccio deve essere granulare. Si possono esplorare sotto-culture come il “BuchTok” tedesco (la community di lettori) creando un suono malinconico perfetto per video a tema letterario, o la “Dark Academia Germany” con atmosfere più cupe. La chiave è offrire un suono che risolva un’esigenza creativa per i creator di quel paese. Pubblicare negli orari di punta tedeschi (18:00-21:00) è un’altra accortezza tecnica fondamentale. Questo non è marketing, è antropologia digitale applicata: si studia una cultura e si offre un elemento (il suono) che si integri perfettamente nel suo ecosistema.

Tour europeo con budget ridotto: van o voli low cost?

La dimensione live è fondamentale per costruire una fan base reale all’estero, ma per un artista indipendente rappresenta la voce di spesa più imponente. Il dilemma classico è tra la flessibilità di un tour in van e la rapidità dei voli low cost. Il van offre un controllo totale su spostamenti e trasporto strumenti, trasformandosi spesso in un alloggio mobile, ma il costo di noleggio e benzina, unito alla fatica fisica e alle difficoltà di parcheggio nelle grandi città europee, può essere proibitivo. I voli low cost, d’altro canto, riducono la stanchezza ma introducono altre complessità: i rigidi limiti sul bagaglio degli strumenti e la dipendenza dai servizi di noleggio backline locali, che aggiungono costi e incognite sulla qualità della strumentazione.

Tuttavia, il dibattito van vs. aereo è spesso un falso problema, perché oscura alternative più strategiche e a budget ridotto. Esistono modelli ibridi che permettono di costruire un tour sostenibile. Il “Tour Swapping”, ad esempio, consiste nello scambiare date con band locali in altre città europee. Questo non solo riduce i costi, ma garantisce un pubblico locale e crea una rete di contatti preziosa. Un’altra opzione è il circuito degli “House Concerts”, reso popolare da piattaforme come Sofar Sounds. Questi concerti in location intime e non convenzionali garantiscono un pubblico attento e un compenso fisso, seppur modesto, eliminando l’incertezza delle serate in piccoli club.

Il modello Sofar Sounds, attivo dal 2009, è un eccellente caso di studio: artisti emergenti si esibiscono per un pubblico selezionato, ricevendo una quota dei profitti e la possibilità di essere inseriti in una rete globale. Ad esempio, artisti come Covenhoven, dopo essersi fatti notare localmente a Denver, hanno avuto accesso a date in altre città del network. Per un artista italiano, questo significa poter costruire un piccolo tour europeo con la certezza di un’audience e di un cachet minimo in ogni città. Come evidenzia un’analisi comparativa, il modello Sofar prevede che gli artisti ricevano il 70% del profitto netto del concerto, rendendolo un’opzione economicamente valida. La scelta giusta non è quindi tra van e aereo, ma tra un approccio logistico tradizionale e uno strategico basato sul networking e su circuiti alternativi.

L’errore di non tradurre o adattare i press kit per i media locali

Uno degli errori più comuni e fatali nella promozione internazionale è credere che un press kit (EPK) sia un documento universale. Inviare una biografia tradotta letteralmente in inglese a un giornalista tedesco, a un blogger francese o a un curatore di playlist spagnolo è l’equivalente di un suicidio professionale. Ogni mercato ha codici culturali, sensibilità e priorità differenti. Un approccio “one-size-fits-all” viene immediatamente percepito come amatoriale e irrispettoso, garantendo che la vostra email finisca direttamente nel cestino. Il processo corretto non è la traduzione, ma la transcreazione: un adattamento creativo che riscrive il messaggio per il contesto culturale di destinazione.

Per esempio, un press kit destinato alla Francia dovrebbe enfatizzare gli aspetti poetici dei testi e le influenze cantautorali, usando un linguaggio più letterario. Per la Germania, l’accento andrebbe posto sulla qualità della produzione, sulla precisione tecnica e su eventuali collaborazioni con producer noti, dimostrando professionalità e rigore. Per la Spagna, si potrebbero evidenziare la passionalità, l’energia live e gli elementi ritmici. L’adattamento va oltre il testo: è fondamentale includere “agganci culturali locali”. Citare l’influenza di un regista come Wim Wenders nel press kit per la Germania o di un poeta come Lorca per la Spagna dimostra una conoscenza e un rispetto per la cultura locale che aprono porte altrimenti sbarrate.

La transcreazione deve estendersi a tutti i materiali. È consigliabile preparare micro-pitch visuali specifici per ogni mercato: “quote card” (immagini con citazioni d’impatto) tradotte e adattate, GIF che catturino l’energia del progetto e brevi video di presentazione di 30 secondi. Infine, la personalizzazione deve raggiungere il livello del singolo contatto. Invece di un invio massivo, ricercate i giornalisti e le testate più in linea con il vostro genere in quel paese e menzionateli direttamente nel messaggio, spiegando perché pensate che il vostro progetto sia perfetto per la loro linea editoriale. Questo approccio mirato richiede più tempo, ma trasforma una richiesta di attenzione in una proposta di collaborazione.

Ottenere i fondi SIAE/Italia Music Export: i 3 criteri decisivi per il bando

L’esportazione musicale richiede un investimento significativo. Fortunatamente, in Italia esistono realtà come Italia Music Export, l’ufficio creato da SIAE con sede a Milano, il cui obiettivo è proprio supportare economicamente artisti e professionisti del settore nelle loro attività internazionali. Accedere a questi fondi, tuttavia, non è una semplice formalità. I bandi sono estremamente competitivi e la maggior parte delle domande viene scartata. Per avere successo, è necessario pensare non da artista, ma da imprenditore, presentando un progetto che rispetti tre criteri decisivi.

Il primo criterio è la narrativa del progetto. Un errore comune è presentare una semplice lista della spesa (voli, hotel, promozione). La commissione vuole leggere una storia, una visione strategica coerente. Il dossier deve spiegare *perché* si vuole andare in un determinato mercato, qual è il potenziale a lungo termine e come le attività finanziate si inseriscono in un piano di crescita più ampio. La domanda non è “di cosa hai bisogno?”, ma “qual è il tuo piano per conquistare questo mercato e come possiamo aiutarti?”.

Il secondo criterio, forse il più importante, è la prova di trazione internazionale. Chiedere fondi per “iniziare” a promuoversi all’estero è debole. È molto più forte dimostrare che una domanda esiste già. Questo significa formalizzare nella domanda le partnership già attive, anche se piccole: includere email di conferma da parte di un promoter locale che offre una data, menzionare articoli già usciti su blog internazionali, allegare screenshot di conversazioni con una radio universitaria straniera interessata a un’intervista. Questi elementi trasformano una speranza in un’opportunità concreta, dimostrando che il denaro richiesto andrà a capitalizzare un interesse preesistente.

Infine, il terzo criterio è un budget realistico e giustificato. I costi non devono apparire gonfiati e ogni voce di spesa deve essere chiaramente motivata in ottica di ritorno sull’investimento (ROI) per l’export. È fondamentale anche presentare un piano di co-finanziamento credibile, che dimostri che anche l’artista e la sua squadra stanno investendo nel progetto. Un budget trasparente, logico e co-finanziato comunica professionalità e impegno, aumentando drasticamente le probabilità di approvazione.

Perché il 90% delle richieste di finanziamento viene scartato alla prima lettura?

Il potenziale per l’export della musica italiana è innegabile e in piena espansione. Dati recenti mostrano una crescita esponenziale dell’interesse per i nostri artisti all’estero. Tra il 2019 e il 2024, si è registrato un aumento del +160% dei contenuti audio italiani ascoltati all’estero su piattaforme come Spotify. Di fronte a un’opportunità così vasta, il fatto che la stragrande maggioranza delle richieste di finanziamento venga respinta può sembrare un paradosso. La verità è che la maggior parte delle domande fallisce non per la qualità della musica, ma a causa di tre errori strategici fondamentali che ne compromettono la credibilità sin dalla prima lettura.

Il primo errore fatale è la mancanza di un “Proof of Concept”. Molti artisti presentano progetti basati sull’idea che il loro talento “meriti” di essere esportato. Le commissioni, però, non finanziano il merito, ma il potenziale di mercato. È imperativo presentare dati concreti che provino l’esistenza di una domanda, anche se minima: il numero di stream mensili provenienti da un paese specifico, il tasso di interazione sui social con utenti di una certa nazionalità, articoli o menzioni su blog internazionali. Senza questa “prova di concetto”, il progetto appare come una scommessa ad alto rischio.

Il secondo errore è il progetto “tuttologo”. Spesso si presenta una richiesta di fondi dispersiva che mira a coprire contemporaneamente la promozione, un tour, la produzione di un video e le registrazioni in studio. Questo approccio comunica una totale mancanza di focus. Un progetto vincente si concentra su un singolo obiettivo misurabile per bando. Ad esempio: “Fondi per un tour di 5 date in Germania a supporto dell’uscita del nostro EP” oppure “Fondi per una campagna di promozione digitale di 3 mesi mirata al mercato messicano”. La specificità è sinonimo di professionalità.

Infine, il terzo errore, spesso sottovalutato, è la presentazione amatoriale. Un dossier scritto male, con un layout disordinato o visivamente poco curato, trasmette un’immagine di scarsa serietà. L’identità visiva del progetto deve essere coerente con quella artistica. Utilizzare strumenti di design accessibili come Canva per creare un PDF professionale, pulito e brandizzato non è un optional, ma un requisito minimo per dimostrare di essere un progetto strutturato e pronto per un investimento.

Produttore o esecutore: chi prende i soldi dal Nuovo IMAIE per il feat?

Nel contesto di un’esportazione musicale sempre più florida, le collaborazioni internazionali (i cosiddetti “featuring”) sono diventate una leva strategica fondamentale. Tuttavia, questa pratica apre complesse questioni sulla ripartizione dei diritti connessi, ovvero i compensi spettanti ad artisti interpreti ed esecutori per l’utilizzo delle loro registrazioni. L’impatto economico di questi diritti non è trascurabile: nel 2023, i ricavi dall’export della musica italiana hanno superato i 26 milioni di euro, con un aumento del 130% in soli quattro anni. Capire chi ha diritto a cosa è essenziale per non perdere una fetta importante di questi guadagni.

Quando un artista italiano partecipa come “featuring artist” in un brano di un artista straniero, la regola generale per i diritti di esecuzione, gestiti in Italia dal Nuovo IMAIE, prevede una ripartizione equa. L’artista principale e il featuring artist sono considerati co-interpreti principali e, in assenza di accordi diversi, si dividono i compensi al 50%. È fondamentale che il ruolo di “featuring” sia correttamente indicato nei metadati ufficiali del brano e, idealmente, formalizzato in un contratto di featuring. Senza questa documentazione, rivendicare i propri diritti diventa estremamente difficile.

È importante non confondere i ruoli. Un turnista (o “session man”), che viene pagato a forfait per registrare una parte strumentale, non matura diritti connessi sulla registrazione, ma riceve solo il compenso pattuito. Allo stesso modo, il produttore artistico matura diritti sul master (diritti fonografici), che sono separati e distinti dai diritti connessi degli esecutori. La tabella seguente chiarisce la ripartizione standard.

In sintesi, per assicurarsi i compensi derivanti da un featuring internazionale, un artista italiano deve agire proattivamente: assicurarsi che il suo nome appaia correttamente nei crediti, firmare un accordo chiaro e iscriversi al Nuovo IMAIE per la gestione dei propri diritti. Trascurare questi aspetti burocratici significa, di fatto, regalare i frutti del proprio lavoro.

Come creare un’identità sonora riconoscibile per un brand o un festival?

In un mercato musicale globale sempre più affollato, la riconoscibilità è tutto. Per un artista che punta all’estero, questo va oltre il semplice avere belle canzoni. Significa costruire un’identità sonora così forte e distintiva da essere immediatamente riconoscibile, anche senza vedere il nome o il volto dell’artista. Questo concetto, preso in prestito dal sound branding aziendale, è cruciale. Bisogna pensare al proprio progetto musicale come a un brand e definire il suo DNA sonoro: quell’insieme di elementi unici che rendono il sound inconfondibile e coerente attraverso tutta la produzione e la comunicazione.

Costruire questo DNA non è un processo mistico, ma un lavoro strategico di auto-analisi e coerenza. Il primo passo è identificare 3-5 elementi sonori ricorrenti che diventeranno la firma del progetto. Può trattarsi di un tipo specifico di suono di synth, di un particolare pattern ritmico, di un effetto vocale caratteristico, di un’armonia ricorrente o di una scelta di strumentazione inusuale. Questi elementi devono essere la spina dorsale di ogni brano, pur lasciando spazio alla creatività e all’evoluzione.

Una volta definito, questo DNA sonoro deve essere applicato con coerenza non solo nella musica, ma in ogni punto di contatto con il pubblico. L’identità sonora deve allinearsi a quella visiva (colori, font, stile dei video) per creare un’esperienza immersiva e multisensoriale. Per i social media, è fondamentale sviluppare una “Audio-Palette”, che include una firma sonora di 2-3 secondi da usare come intro o outro in tutti i contenuti video (Reels, TikTok, Stories). Questo piccolo jingle rafforza la riconoscibilità e crea un’abitudine all’ascolto. Il test finale della forza del proprio DNA sonoro è semplice: un fan dovrebbe essere in grado di identificare un nuovo brano come “vostro” dopo pochi secondi di ascolto, ancora prima che entri la voce.

Smettete di inseguire. È il momento di guidare, usando la vostra unicità come bussola. Iniziate oggi a definire la vostra strategia chirurgica per trasformare il vostro progetto musicale in un successo globale autentico e duraturo.